El perro que no calla - Crítica

 

Ana Katz presenta una obra que mezcla drama y comedia, con un ritmo tranquilo pero ameno, con situaciones que van desde lo más naturales posibles hasta virar hacia lo impensado o inesperado. Y en ese despliegue que también comprende lo visual (hay además un trabajo poético y artesanal en el uso de imágenes como transición en instancias particulares), la realizadora acierta, al crear un clima que provoca sensaciones diversas en el espectador.

'El perro que no calla' habla, esencialmente, de la vida misma, de sus vaivenes y de cómo todo puede cambiar de un momento a otro. Y para ello se vale tan solo de 73 minutos en los que la soledad, las costumbres, los silencios, las miradas que parecieran decir mucho y las crisis existenciales y/o búsquedas de identidad se muestran con una claridad tal que no necesitan explicaciones.

Daniel Katz compone a la perfección a Sebastián, un muchacho de pocas palabras que deambula con una extraña tranquilidad, pese a que vaya topándose con obstáculos en su camino y avance a trompicones, tratando de adaptarse a distintas realidades.

La directora nos enseña el paso del tiempo de una forma sutil y según los looks que acompañan a nuestro protagonista en cada etapa.

Más allá de lo angustiante de algunas escenas, la historia logra que lo melancólico se entremezcle con un estilo de humor irónico, sencillo pero inteligente, que consigue sacar unas cuantas sonrisas.

'El perro que no calla' simplemente fluye, mientras la sentida y sugerente música a cargo de Nicolás Villamil coopera con lo que Ana Katz exhibe en pantalla, permitiendo que uno siga procesando pequeños y valiosos detalles, incluso a largos ratos de haber terminado el film.

Lo Mejor: el modo elegido para narrar los acontecimientos. La combinación de drama con tonos de comedia.

Lo Peor: algunas intermitencias en determinados pasajes.

Puntaje: 8 Alancitos Deambulantes sobre 10

Last Night In Soho - Crítica

 

Edgar Wright presenta la que seguramente sea su película más madura, dando un salto hacia un thriller oscuro, pero la madurez a veces no suele ir de la mano de la eficiencia, y he aquí uno de los problemas principales de ‘Last Night In Soho’, donde el guion contiene unas cuantas cuestiones que no terminan de cerrar.

Thomasin McKenzie cumple y convence en su rol de aspirante a diseñadora de moda. Se trata de una joven algo tímida, antisocial e inocentemente soñadora. En Londres, descubre que la vida no es tan benévola, topándose con compañeras que se burlan de ella (algo muy visto en el cine, pero que el director explota con buena mano) y descubriendo cada noche, cuando se acuesta, un mundo artístico que esconde un misterio bastante peculiar.

Cuando el film sale de los lugares comunes, se vuelve algo repetitivo y denso. En cada instancia en que Wright ahonda en lo onírico (que es lo que tiene mayor relevancia en el relato para ir entendiendo lo que sucede), el asunto abruma y agota, porque si bien es, en parte, un deleite visual y sonoro, apabulla y no en el mejor de los sentidos.

A Anya Taylor-Joy le basta con su magnética presencia para consolidar una más que interesante actuación, mientras que cada aparición de Terence Stamp (acertada su elección) le aporta el costado enigmático y sombrío a la historia.

Hacia el final y tras un sinfín de secuencias en las que los sueños se entremezclan con la realidad, llegan unas resoluciones cuestionables y, sobre todo, apresuradas en su ejecución, que acaban dejando un sabor amargo por el tratamiento escogido para presentarlas en pantalla.

Lo Mejor: las actuaciones de McKenzie, Taylor-Joy y Stamp. La estética y el apartado sonoro del film.

Lo Peor: el guion y sus flaquezas. Lo repetitivo del relato. De difícil enganche.

Puntaje: 4 Alancitos Diseñadores de Moda sobre 10

The Trip - Crítica

 

La obra de Tommy Wirkola es una suerte de comedia negra que va mutando hacia un thriller desquiciado, desenfrenado, en el que los amantes del gore estarán agradecidos por el nivel de violencia que se exhibe desde la segunda mitad de la historia hasta el final.

La siempre convincente Noomi Rapace en dupla con Aksel Hennie, conformando un matrimonio deteriorado y con dificultades económicas. La pareja decide escaparse unos días a una cabaña, siendo allí donde cada cual va mostrando su lado más salvaje para con el otro.

‘The Trip’ (‘I onde dager’) empieza con un rumbo incierto, no se sabe muy bien si con lo poco que se nos enseña, puede llegar a haber tela para cortar durante sus casi dos horas de metraje. Pero tras la aparición de nuevos personajes, el factor sorpresa adquiere una forma significativa que permite que el espectador no sepa hacia dónde puede virar el asunto.

Existe un muy buen uso de los flashbacks, sobre todo por la dinámica con la que el director los plasma, acompañados de un soundtrack bastante rabioso que hace que cada secuencia no pierda fuerza ni aburra, siendo este uno de los recursos que mejor se explota en la cinta noruega.

‘The Trip’ pareciera contener dos películas en una, y es allí donde probablemente encuentre su falla principal: lo que en su inicio parece atrapante, inclusive en la transición al apartado que involucra al thriller y a la acción, va perdiendo fuerza al abusar de situaciones en las que el suspenso termina acabándose siempre de la misma manera, con algún elemento que emerge de la nada misma para cortar con la tensión de un tirón.

En este festival de sangre a chorros, la bestialidad está a la orden del día y resulta ser el plato principal de la proyección distribuida por Netflix, asegurando un buen rato de entretenimiento pero sin trascender ni pasar a mayores dentro de su género.

Lo Mejor: dinámica, ágil, salvaje y con buenas actuaciones de todos los participantes. El soundtrack.

Lo Peor: termina haciéndose previsible en cada situación de suspenso. Se extiende más de lo necesario.

Puntaje: 6 Alancitos Sanguinarios sobre 10

Lamb - Crítica

 

No es nada fácil calificar y clasificar a ‘Lamb’, ópera prima de Valdimar Jóhansson y una de esas proyecciones a las que se las suele catalogar como “festivaleras”.

Película prácticamente silente, en donde si uno logra soportar los primeros cuarenta minutos, puede que luego se enfoque con mayor atención en todo lo que acontece desde la mitad de la historia hasta el extrañísimo desenlace.

Todo parte del descubrimiento de un misterioso recién nacido, que irrumpe en la vida de una pareja sin niños, trayendo alegría pero también algo sumamente extravagante en lo que es mejor no ahondar para revelar información. Mejor dejarse llevar sin pensar demasiado.

A Noomi Rapace le alcanzan y le sobran sus miradas, sus expresiones y su presencia. La artista sueca es quien se carga la cinta al hombro, a pesar de unas tomas larguísimas en las que no sucede demasiado (probablemente forme parte del director para enseñarnos la tranquilidad con la que viven los protagonistas en ese desolado y bellísimo paisaje islandés).

Un drama que juega mucho con la insinuación, recurso que por momentos funciona, tensiona y a la vez angustia, aunque en ocasiones satura y aburre.

Una atmósfera macabra, bizarra y con destellos terroríficos, capaz de provocar y perturbar al espectador.

Podría haberse resumido todo en mucho menos tiempo y he aquí, con todo el material de relleno, que ‘Lamb’ no termina de convencer.

Lo Mejor: las actuaciones, principalmente de Noomi Rapace. La incomodidad de algunos pasajes y el apartado técnico.

Lo Peor: tarda bastante en arrancar. Se extiende en demasía para lo que narra.

Puntaje: 4,8 Alancitos Granjeros sobre 10

 

The Guilty - Crítica

 

La película dirigida por Antoine Fuqua resulta prácticamente un calco de la original danesa (‘Den skyldige’), salvando las distancias en cuanto a la dinámica con la que se presentan los acontecimientos.

Esta remake resulta más ágil (fiel al estilo de este tipo de producciones norteamericanas) pero quizá menos fría (cuestión que suele ser propia del cine nórdico) o menos “seria” en sus formas, algo que la cinta concebida en Dinamarca manejaba con mucha sobriedad y más pausadamente.

Thriller que trata sobre un operador en un centro del 911 que, enfrentando sus demonios y fantasmas del pasado, recibe una llamada de una mujer aterrada que parece haber sido secuestrada. La temática nos recuerda a ‘The Call’, de Brad Anderson, pero con una exhibición distinta en pantalla, teniendo en cuenta que aquí, en ‘The Guilty’, todo ocurre en un solo escenario.

¿Hubiese funcionado esta obra sin un actor de la talla de Jake Gyllenhaal? El protagonista de ‘Enemy’ nos vuelve a regalar una brillante interpretación, expresiva, con matices y termina resultando el gancho o el aliciente principal de este relato que, probablemente, de haber contado con otra figura central no hubiera llamado la atención de los espectadores.

Es factible que el giro perturbador de la historia produzca un impacto bastante menor que en el film dinamarqués (quizá por estar trabajado de peor forma o tal vez porque uno ya sabe con lo que se va a topar), pero si se analiza a ‘The Guilty’ no como remake de ‘Den skyldige’ (para no caer en comparaciones) y sí como mero entretenimiento, cumple con su cometido, con creces, aunque sin trascender.

Lo Mejor: la potente labor de Gyllenhaal con la cámara encima todo el metraje, con un nivel expresivo sublime.

Lo Peor: cuestiones trabajadas de forma menos seria que la cinta original.

Puntaje: 7,5 Alancitos Atormentados sobre 10

 

The Card Counter - Crítica

 

La Linda (Tiffany Haddish) le comenta a Cirk (Tye Sheridan) que William Tell le parece bastante misterioso. Y precisamente así es el personaje que compone Oscar Isaac como un exmilitar convertido en jugador de póker: el guatemalteco nos regala una interpretación magnífica de un tipo atormentado, pensante e indescifrable al que no podemos quitarle la mirada de encima por su magnética presencia en pantalla.

Paul Schrader dirige con maestría al presentar unos planos tan cuidadosos como extraños, bañando a las escenas con una banda sonora grave, abrumadora (que no siempre funciona al mismo nivel) y cautivadora. Los sonidos, punzantes, impresionan a la par que no se condicen (en muchos tramos) con las imágenes que se exhiben, desconcertando y provocando sensaciones variadas.

Algo en William se rompe cuando conoce al jovencito Cirk, quien busca ayuda en un plan de venganza. ¿Qué hay detrás de nuestro protagonista y qué esconde de su pasado?

‘The Card Counter’ resulta apabullante para los sentidos por su estética. Se trata de una historia de expiación que abarca cuestiones morales y que se las rebusca para sorprender, manteniendo una atmósfera turbia con un ritmo pausado y prolijo.

Es cierto que el relato cae en una suerte de planicie, hacia la mitad, en la que todo pareciera no tener un rumbo certero, pero Schrader se las ingenia para remontar las cosas con algunas vueltas de tuerca que permiten sacar el film el flote, dejando un buen sabor, con un desenlace inquietante y oscuro.

Lo Mejor: las interpretaciones, principalmente la de Oscar Isaac, que deslumbra con su presencia. La oscuridad que le imprime el director, la estética y la banda sonora.

Lo Peor: ciertos pasajes algo densos, en los que la historia se “plancha” un poco.

Puntaje: 8 Alancitos Jugadores de Cartas sobre 10

La Chancha - Crítica

Franco Verdoia dirige este drama psicológico denominado ‘La Chancha’, sumergiendo de a poco y con un interesante pulso narrativo al espectador en una historia que arranca de forma calma y adquiere cada vez más tensión con el correr de los minutos.

El personaje de Esteban Meloni sale de vacaciones junto a su familia, en lo que representa un viaje que le traerá recuerdos de su infancia. ¿Qué clase de eventos ha tenido que atravesar el protagonista? He aquí el quid de la cuestión, algo que resulta mejor no ahondar para no caer en zona de spoilers.

Si lo que reinaba en el comienzo era la tranquilidad con ciertos aires de intriga, lo que predomina desde la aparición de Gabriel “Puma” Goity hasta el desenlace es la incomodidad. Verdoia consigue que cada secuencia posea un clima enrarecido, para nada confortable, donde las miradas parecen esconder mucho y algo está punto de explotar. Este es el aspecto fuerte de ‘La Chancha’, logrando que el espectador jamás pueda reclinarse con tranquilidad en su butaca.

Un elenco acotado en el que todos cumplen con sobriedad y con admirable naturalidad, donde se destacan Meloni y Goity en un duelo que inquieta y convence de igual forma.

Lo Mejor: las actuaciones, la incomodidad y el suspenso.

Lo Peor: queda la sensación de que algunas situaciones podrían haberse exhibido de otra forma.

Puntaje: 7,5 Alancitos Confrontados sobre 10

Riders of Justice

 

Propuesta danesa que cuenta con el gancho de poseer a Mads Mikkelsen como un militar recio de pocas pulgas, que regresa a su casa de urgencia para estar con su hija Mathilde (Andrea Heick Gadeberg), tras la trágica muerte de su esposa en un accidente de tren.

‘Riders of Justice’ se vale de un humor bastante ácido, por lo que la comedia negra pareciera ser el género que prevalece en esta historia en la que las sorpresas están a la orden del día, dado el ingenio de su realizador, Anders Thomas Jensen, para darle unas buenas vueltas de tuerca al asunto.

¿Qué tanto hay de casualidad y qué tanto de algo planificado minuciosamente en aquel evento calamitoso? Es aquí donde interviene Otto (Nikolaj Lie Kass), un eximio matemático que hace malabares con las estadísticas para intentar atar cabos (con enfoques de los que surgen diálogos interesantes y hasta reflexivos cuando se toca el drama). Lo acompañan Lennart (Lars Brygmann) y Emmenthaler (Nicolas Bro), conformando el apartado de mayor chispa y excentricidad del film, por los personajes estrafalarios que componen. Cualquier cosa puede ocurrir ante cada participación de estas impredecibles figuras y son quienes aportan las mejores secuencias de risas.

Más allá del halo cómico y burlón que posee la cinta, también hay lugar para el thriller e incluso para unas más que apreciables escenas de acción, donde la tensión tiene su trabajo relevante. Es en esta variedad donde Jensen encuentra la forma de mantener y por qué no hasta sorprender al espectador, cambiando un poco el tono.

‘Riders of Justice’ tiene sus irregularidades y no logra trascender (quizá tampoco sea el objetivo), pero entretiene y resulta ocurrente, políticamente incorrecta y audaz en sus modos, por lo que acaba dejando un buen sabor.

Lo Mejor: varios momentos de humor, el trabajo siempre sólido de Mikkelsen y la rareza de los personajes. La mezcla de géneros.

Lo Peor: funciona como entretenimiento, sin que vaya a quedar como una proyección memorable o de alto calibre.

Puntaje: 7,3 Alancitos Expertos en Estadística sobre 10

Stillwater - Crítica

 

En ‘Stillwater’, Tom McCarthy mixea géneros. Si bien aborda la mayor parte del relato desde el drama, no le tiembla el pulso cuando incursiona en el thriller, regalándonos unos buenos momentos cargados de tensión. Tampoco desentona cuando se lanza hacia el romance y allí, junto al lado dramático, emociona con gran naturalidad.

En esta propuesta vemos a Matt Damon en la piel de Bill Baker, un operario que viaja a Marsella para visitar a su hija (Abigail Breslin), quien se encuentra en prisión por un asesinato que jura no haber cometido. Su padre hará todo lo posible para demostrar la inocencia de la joven.

Un poco menos de dos horas y media de metraje (probablemente lo único “reprochable” de un film que cuenta con algunas escenas de relleno) de visionado ameno, por lo que cabe destacar la buena mano narrativa del realizador de obras como ‘The Cobbler’ y la ganadora del Oscar ‘Spotlight’.

Olvidémonos del Damon carismático y con mucha picardía al que nos acostumbramos a ver, dado que aquí, en ‘Stillwater’, su caracterización como un tipo tosco y de pocas palabras resulta sumamente convincente y distinta de todas las actuaciones que venía dando. El bueno de Matt se carga la cinta al hombro, con la cámara enfocándolo todo el tiempo (así como sucedía en ‘The Martian’), brindando una de las mejores (o quizá la mejor) interpretaciones de su carrera.

Existen pasajes previsibles y otros en los que se dan giros muy bien ejecutados, pero la principal virtud de la historia reside en que ninguna situación se percibe forzada, pudiendo pasar de un evento dotado de mucha tensión (hay una secuencia con mucha adrenalina que puede recordar a ‘El Secreto de sus Ojos’) a otro de drama sin ningún tipo de complicaciones en esa transición.

Breslin se desenvuelve con mucha solidez, como de costumbre, al igual que Camille Cottin, de sentida labor, pero quien se roba la atención de todos y sorprende es la pequeña Lilou Siauvaud.

Con todos los condimentos mencionados y con sencillez y seguridad en su andar, ‘Stillwater’ inquieta, conmueve y acaba resultando una película redonda.

Lo Mejor: Damon en un rol distinto, las actuaciones en general. La revelación en la labor de Siauvaud. Cada género está abordado con mucha naturalidad.

Lo Peor: la historia podría haberse contado en menos tiempo.

Puntaje: 8,5 Alancitos Viajantes a Marsella sobre 10

Your Honor - Crítica

Las miniseries a veces terminan resultando más atrayentes al saber que no se extenderán temporadas y temporadas con un estiramiento de situaciones que, en muchas ocasiones, acaban difuminando la esencia de la historia, poniéndola en riesgo para el seguimiento del espectador.

En ‘Your Honor’, el relato consta tan solo de diez episodios poseedores de una más que apreciable dosis de suspenso, elemento que se aprovecha de gran forma en el primer capítulo, en donde la fuerza de enganche es muy elevada.

Bryan Cranston interpreta a un juez de Nueva Orleans, cuyo hijo se ve involucrado en un atropello y fuga. Las cosas se complican cuando se descubre quién era la víctima y su oscuro entorno familiar.

Se trata de un thriller de manual y de un sugerente ejercicio de intriga, en el que los finales están presentados de modo tal que cada uno de ellos funcione como una invitación adictiva a darle play al siguiente evento. En esto, mucho tienen que ver los embrollos, enredos y obstáculos que se van sorteando y la pregunta que se instala desde el inicio hasta el final: ¿hasta dónde es capaz de llegar un padre para encubrir a su hijo?

Hay algunas vueltas de tuerca que pueden llegar a parecer bastante cuestionables o no del todo verosímiles, pero es fácil perdonarle esos pequeños baches a la creación de los realizadores Peter Moffat y Edward Berger cuando la cara visible y casi omnipresente es la de Cranston, quien una vez más lo da todo con otra actuación superlativa. Su personaje está lleno de matices y eso, para alguien tan versátil como nuestro querido Walter White de ‘Breaking Bad’, magnetiza y convence a cualquier mortal que esté del otro lado de la pantalla.

Lo interesante, también, de ‘Your Honor’ radica en los giros que se van dando (algunos bien ejecutados y otros un poco más traídos de los pelos), rompiendo la idea inicial que uno se puede hacer tras el visionado del primer episodio, con varias hipótesis acerca de cómo pueden llegar a terminar las cosas (hay sorpresas fulminantes hacia el desenlace).

En esta entretenida producción, es imposible dejar afuera de mención a ese gran artista (poco reconocido, injustamente, como se merece) que es Michael Stuhlbarg: su tarea es sumamente destacable, cumpliendo con excelencia como un capo mafia que no tiene escrúpulos para conseguir y asolar contra lo que sea. El protagonista de la controvertida ‘A Serious Man’, se bate a duelo con Cranston y mete miedo con sus agudas miradas y con sus arranques de ira desmesurados. Acompañan, la siempre sólida Carmen Ejogo y el joven Hunter Doohan.

Lo Mejor: lo llevadera que se hace la historia, con sus giros y con su final. Las actuaciones, principalmente las de Cranston y Stuhlbarg.

Lo Peor: algunas resoluciones cuestionables.

Puntaje: 8,5 Alancitos Jueces sobre 10 

Pig - Crítica

Resulta difícil clasificar a ‘Pig’, cinta en la que Nicolas Cage interpreta a un solitario cazador de trufas que vive aislado de la ciudad junto a su cerda, quien lo acompaña diariamente a recolectar dichos hongos, hasta que un día es secuestrada.

Se trata de un drama con tintes de thriller de venganza en el que se respira un espíritu indie y en el que el espectador no sabe con qué se puede llegar a encontrar, teniendo en cuenta el misterio que emana de la figura de nuestro protagonista, a quien iremos descubriendo lentamente conforme avanza el relato.

Michael Sarnoski presenta su ópera prima con un andar manso en cada secuencia que exhibe en pantalla. Todo se percibe calmo, intrigante y de a ratos pareciera cobrar mayor relevancia lo absurdo, dado las situaciones algo extrañas que se van dando. Es allí, en ese desconcierto ante secuencias impensadas, donde ‘Pig’ pareciera adquirir un halo hipnótico que nos sumerge en la historia, a fin de querer comprender hacia dónde se dirige para su resolución.

La interpretación de Cage resulta uno de los atractivos esenciales y da gusto verlo en un papel de este tipo, donde el flanco dramático es el principal en una película algo intermitente que hacia su desenlace libera su lado más conmovedor y convincente, dejando en claro que, en el fondo, es una obra con corazón.

Lo Mejor: la actuación de Cage y la intriga que va generando.

Lo Peor: existen momentos que desentonan. Irregular en su andar.

Puntaje: 6,5 Alancitos Recolectores de trufas sobre 10

THE SUICIDE SQUAD - CRÍTICA

Tras la decepción que muchos fans se llevaron con la cinta de David Ayer en el 2016, ‘The Suicide Squad’ llega de la mano de James Gunn con un tráiler prometedor y arrasador estéticamente (algo que también había ocurrido con la obra del realizador de ‘Fury’).

La libertad que se le dio aquí a quien estuvo detrás de la cámara en la entretenidísima y fresca saga de ‘Guardians of the Galaxy’, se recibe con los brazos abiertos, dado que cualquier cosa puede ocurrir en este festival de acción desmesurado que salpica la pantalla de sangre a chorros, sin ningún tipo de tapujos.

Personajes alocados y con mucho carisma que desfilan durante las dos horas y pico de duración de esta entrega de DC, en la que Margot Robbie, si bien cumple con creces, no es eje ni centro de atención absoluto. En este punto fuerte del film, es fácil empatizar con líderes como Bloodsport (Idris Elba) y Peacemaker (sorprende John Cena), así como también con personalidades tan variadas como las de Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), Polka-Dot Man (David Dastmalchian) y King Shark (con la voz del bueno de Sylvester Stallone), entre otros.

Otros de los puntos fuertes de ‘The Suicide Squad’ están en un soundtrack rabioso, en el montaje (principalmente en las escenas de acción, con movimientos de cámara que se ralentizan y se aceleran, dependiendo la situación) y en un laburo artístico que embelesa cada una de las secuencias por su poderío visual.

Puede que existan unos cuantos chistes zonzos que desentonan (he aquí la irregularidad para mantener el nivel en cuanto al humor que James Gunn le imprime a este film) y algunas cuestiones de guion que se limitan únicamente al ofrecimiento de un concierto pochoclero y rimbombante.

DC parece adoptar la fórmula que tan buenos resultados le dio a Marvel, añadiéndole la osadía propia de ‘Deadpool’, con esas pinceladas de gore que muchos fanáticos agradecerán y disfrutarán, dejando así una imagen que supera a la película del año 2016.

Lo Mejor: la frescura de los personajes, cada uno de ellos con un carisma que contagia. El apartado visual y la libertad para los excesos.

Lo Peor: funciona exclusivamente como mero ejercicio de acción comercial.

Puntaje: 6,8 Alancitos Loquillos sobre 10 

MARE OF EASTTOWN - CRÍTICA

 

Miniserie. 7 episodios de una duración aproximada de 60 minutos cada uno.

Kate Winslet como detective de un sitio en donde todos se conocen. Pueblo chico, infierno grande.

Nuestra protagonista parece llevar una carga grande, viviendo día a día sin demasiada motivación, aferrándose a su trabajo para tapar unas cuantas cuestiones que con el correr de los capítulos se van descubriendo.

Se investiga un asesinato en el que varias cosas no cierran. Cabos sueltos, sospechosos por doquier y complicaciones de todo tipo. Se trata de un policial casi de manual, pero sumamente bien ejecutado, con un ritmo calmo pero llevadero que posee la cualidad de explorar con profundidad la psicología de los personajes en ese viraje hacia el flanco dramático del relato.

Mare of Easttown 'se las ingenia para crear climas oscuros y desolados que pueden recordar, de a ratos, a la magnética primera temporada de' True Detective 'y' The Killing ', por el tono y el ritmo con que se exhiben los acontecimientos. Craig Zobel, su director, nos regala finales que invitan a darle play, de inmediato, al siguiente episodio.

La dupla que conforman Winslet y Evan Peters va en escala creciente en cuanto a la química que emanan ya lo bien que se los percibe en pantalla cada vez que se ven juntos en escena. El joven que supo lucirse en cintas de 'X-Men' y en 'American Animals', entre otras, mantiene el carisma innato; por otra parte, a Kate le basta con sus miradas y sus expresiones para transmitirnos sensaciones de todo tipo.

Es cierto que la serie recae en determinados clichés propios del género pero también es correcto mencionar que porta una fórmula que engancha y nos mantiene en vilo, de modo que su visionado sea ligero e hipnótico.

Siempre son bien recibidas las vueltas de tuerca en todo policial / thriller que involucre un misterio a resolver, y en 'Mare of Easttown' están a la orden del día y ninguna de ellas se siente forzada en su ejecución.

HBO nos deleita, una vez más, con una de las series más significativas del 2021, en donde el plus (o el gancho principal) reside en la maravillosa interpretación de Kate Winslet, quien es capaz de emocionar a cualquiera con su admirable y convincente gestualidad.

Lo Mejor: que nos mantiene enganchados hasta su desenlace. No se queda en el simple policial y también explota el drama. Winslet, palabras mayores.

Lo Peor: en algunas instancias se explica de más.

Puntaje: 9 Alancitos Detectives sobre 10.